Arquitectura barroca italiana.

A lo largo del SXVII se va definiendo un nuevo tipo de iglesia. Se busca un efecto de irrealidad e ilusión religiosa.

-Las fachadas dejan de ser simples planos de separación para ondularse, quebrarse y tener un carácter tridimensional.

-Las plantas en las grandes iglesias son rectangulares en forma de cajón, en las más pequeñas se usa sobretodo la planta ovalada.

-La concepción del espacio produce sensación de inestabilidad.

-Hay un uso teatral de la luz, por ejemplo usando fuentes de luz ocultas.

-Las artes se integran: la mayoría de las iglesias romanas se convierten en una explosión de lujo, color, brillo y luz a la que contribuyen todas las artes.

-Bernini (1598-1680) defensor de la integración de las artes. Tendencias ilusionistas para lo que usa las formas geométricas como la elipse y la luz. Usa con frecuencia la contraestática, es decir, fingir que las grandes masas arquitectónicas se sostienen casi por milagro.

Dirigió la decoración interior de la basílica de San Pedro y de la plaza de San Pedro y adorna con estatuas el acceso a través del puente de Sant ´Angelo.

Utiliza la perspectiva para falsear la realidad haciendo parecer el espacio más grande o más pequeño de lo que es  en realidad.

Iglesia de San Andrea del Quirinale.

  Destacó como arquitecto de palacios como el Barberini.

Creó fachadas variadas y contrapuestas. El monarca Luis XIV de Francia le llamó a París  para la reforma del Louvre para la que trazó dos proyectos que no llegaron a realizarse.

-Borromini (1599-1667)  representa casi exactamente lo opuesto a Bernini. Personaje angustiado e insatisfecho, lleno de desequilibrios mentales, terminará suicidándose. Heredero de la continua inquietud y tensión religiosa y estética de Miguel Ángel (el único artista al que reconocía como maestro)

Crea edificios de complicada elaboración geométrica. Es el mayor exponente del espacio fluido. Usa el ladrillo sin revestirlo ni policromarlo, como símbolo de ascetismo religioso. Edificios más austeros que los de Bernini. Inventa nuevos detalles decorativos.

-Iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane: concepción dinámica del espacio

-Oratorio de los Filipenses: con bóveda de nervios que recuerda al gótico 

-San´t Ivo alla Sapienza (iglesia de la universidad de Roma): templo de formas nunca vistas.

-Basílica de San Juán de Letrán: el Papa InocencioX encargó su transformación en ella realizó una serie de altares muy imaginativos. Fue para los arquitectos de la ilustración un siglo más tarde, el mayor ejemplo de la arquitectura irracional y extravagante que despreciaban. La crítica moderna, en cambio, le ha devuelto su lugar.

Introducción al arte Barroco

Arte que surge en Italia a finales del SXVI y se extiende por Europa, durante el SXVII alcanza su plenitud y en muchas áreas perdura hasta el XVIII. La palabra de origen portugués, tiene un matiz negativo, confuso y extravagante en contraposición a la claridad y orden del clasicismo. A finales del SXIX y principios del SXX grandes historiadores comienzan a verlo como un estilo propio y no como una decadencia. El trasfondo es la guerra de los 30 años que favorece el poder de las monarquías absolutas. Expresión de la grandiosidad afín al poder político. Los enfrentamientos religiosos marcan al barroco. La tensión provocada por la reforma de Lutero, había producido la contrarreforma católica, que se manifiesta sobretodo en el concilio de Trento (1545-1563) y en la actividad de la compañía de Jesús. Se reorganizó urbanísticamente la ciudad de Roma. Exaltación de los mártires y nuevos santos (San Ignacio, San Isidro labrador y Santa Teresa de Jesús). El arte se usa para persuadir al pueblo de la autenticidad de la fe católica. Hay una carga decorativa teatral, escenográfica y deslumbrante vehículo principal de la idea del triunfo de la iglesia. Las iglesias barrocas expresan una idea de religión fuerte y verdadera. Los palacios muestran el poder absoluto del monarca. El SXVII es también el de la revolución científica ( Galileo, Kepler, Halley Harvey, Descartes, Leibniz, Spinoza), ciencia y filosofía se unen para abrir un  nuevo período que llegaría en el SXVIII con la ilustración ( Newton). El arte del renacimiento pretende ayudar al hombre a conocer científicamente la naturaleza, mientras que el barroco se basa en la ilusión, en el deslumbramiento que producen el poder del rey o el milagro religioso. No se dirige al ciudadano sino al súbdito o al creyente. No le pide que use su razón, sino que crea sin vacilar. Utiliza los mismos elementos clásicos pero poniéndolos al servicio de un concepto diferente del espacio.

Renacimiento en España

INTRODUCCIÓN

     La sociedad hispánica del 1500 tenía un componente mercantil muy débil en casi todo el territorio peninsular por lo que no era una sociedad eminentemente burguesa. Por el contrario, la nobleza retenía en sus manos un enorme poder económico, aunque políticamente se viera relegada por el Estado monárquico, con una tendencia clara a la centralización. Es esa forma política del Estado la que explica la inexistencia de ciudades-estado o repúblicas en su territorio, como era frecuente en la península italiana y también en Alemania; al contrario, la sujeción impuesta a los municipios por los Reyes Católicos a finales del s. XV tuvo como consecuencia una escasa iniciativa cultural y artística por parte de las ciudades. Todo esto explica que el renacimiento español quede circunscrito a los dictados de la Corte, la Iglesia Católica y la Nobleza, que serán las instituciones y personas que impulsen el desarrollo del arte y, por tanto, su función. Este hecho supone una clara diferencia respecto al Renacimiento en el resto de Europa, donde la burguesía tiene un relevante papel el desarrollo de las artes.
     En España hay que subrayar de modo especial la continuidad Edad Media-Renacimiento, por la pervivencia de formas de poder, propiedad y mentalidad medievales en los siglos XV y XVI. Sobre todo en la primera fase hay una pervivencia de las formas góticas y mudéjares (medievales), combinadas con las nuevas formas italianas (renacentistas), cuya entrada se ve facilitada por la presencia en España de artistas italianos, como Domenico Fancelli, autor del sepulcro de los Reyes Católicos. La importación de obras de arte italianas, como el patio del palacio de la Calahorra en Granada. El viaje de artistas españoles a Italia, como Pedro Berruguete que trabaja para Federico de Montefeltro en Urbino. La circulación de dibujos y grabados, como el Codex Escurialensis que se conserva en la biblioteca del Escorial y el mecenazgo de familias nobles como los Mendoza o el Cardenal Cisneros.

 ARQUITECTURA

Durante el reinado de los Reyes Católicos tuvo lugar una incorporación de motivos ornamentales del renacimiento italiano, que se insertaron en las fachadas platerescas, la influencia italiana se limita en este primer período a elementos decorativos, como ejemplos tenemos la Capilla Real y el Hospital Real de Granada. En Andalucía se notó pronto un estilo más depurado, como en el palacio de Carlos V, proyectado por Pedro Machuca que tiene rasgos de pureza clásica y en el que ya se ve una asimilación del estilo más global abarcando aspectos espaciales y culturales de fondo y no solo puramente decorativos. Esto se debe a la aparición de libros teóricos como el de Diego Sagredo “Medidas del Romano”. En este momento el arte es patrocinado desde la corte para difundir una imagen triunfal del emperador. Además la iglesia y la nobleza son también promotores del nuevo estilo.

La gran obra de la arquitectura renacentista en España fue el monasterio de San Lorenzo del Escorial, palacio, convento y basílica en una sola y monumental pieza. Los artistas españoles dominan ya el clasicismo y el arte aparece dominado por la problemática religiosa de la contrarreforma. 

Juan de Herrera (1530-1597) es un gran conocedor de temas matemáticos y de la obra de teoría arquitectónica contrarreformista. Tuvo un estilo purista, de extrema sobriedad. Eliminó las esculturas de las fachadas y usó una expresividad basada sólo en masas y volúmenes. Se adelanta al movimiento moderno.

ESCULTURA

Berruguete (1490-1561) escultor castellano formado en Italia donde conoció la antigüedad y el quattrocento florentino. Tiene gran interés un la figura humana de aspecto enjuto y nervioso. Usa un canon alargado manierista de 10 cabezas. Policromía con uso abundante del oro que hace más expresivas sus imágenes. Rostros anhelantes. Figuras expresivas.

Juan de Juni (1507-1577) Nacido en Francia. Tiene influencia de su país, pero también de Italia y de Castilla, respecto a la religiosidad popular castellana. Artista muy completo, trabajó con diversos materiales y renovó los retablos, sepulcros y pasos procesionales. En una 1ª etapa presenta un intenso dramatismo y recurre a los escorzos y al detallismo. En una 2ª etapa realiza grandes retablos y en su etapa final presenta un estilo más reposado y vestidos con un plegado más anguloso.

PINTURA

El Greco (1541-1614) se inició en Creta como pintor de iconos. Parece que después trabajó en el taller de Tiziano. Técnica suelta, pinceladas amplias, cromatismo rico y suntuoso.

 Dramatismo compositivo, contrastes lumínicos y escorzos que le acercan a Tintoretto. Viaja a Roma donde conoce la pintura de Miguel Ángel. Tratamiento del desnudo, composiciones movidas, figuras alargadas y serpenteantes. Se traslada a Madrid para participar en la decoración pictórica de El Escorial allí pinta su San Mauricio y la legión Tebana, obra manierista que no pareció apropiada a Felipe II como imagen de culto.

 EL greco abandona la corte y se instala en Toledo donde permanecerá hasta su muerte. Estilo personal e incomprendido. Exaltado misticismo. Misterio. Cuerpos que se alargan hasta casi desmaterializarse como en El entierro del Conde de Orgaz donde muestra el mundo celestial y terrenal.